Viele Ambient-Alben sind in diesem Jahr erschienen, »Other Rooms« ist das beste. Der Belgier Adriaan de Roover schiebt uns vor die Türen von sieben sehr unterschiedlichen Räumen, öffnet sie immer nur einen Spalt breit, gewährt uns einen kurzen, insgesamt nur 30-minütigen Blick in Welten, die ein Zen-Garten sind, eine Kunstgalerie, die Ruine einer eingestürzten Lagerhalle aus rostigem Stahl und zerbrochenem Glas, ein Straßenmarkt in Indien. Eine Tür ist verschlossen, dahinter ein Club. Du stehst davor, spürst den Vibe, ahnst die Bässe.

Adrianne Lenker könnte auch den Beipackzettel einer Kopfschmerztablette vertonen und es würde einem vermutlich fast das Herz zerreißen. Nun sind die Themen auf »Bright Future« auf eine andere Art aus dem Leben gegriffen – Lenker erinnert sich an den verstorbenen Hund aus Kindertagen und Liebesenttäuschungen, als würde sie aus ihrem Tagebuch vorlesen. Und obwohl da von einer gewissen »Sadness as a gift« die Rede ist, spendet eben jene den nötigen Trost, wenn der Weltschmerz doch mal wieder etwas schwerer wiegt.

Mit dem viel gesampelten Soundtrack »La Planète Sauvage« (»Der wilde Planet«) hat sich der Komponist und Pianist Alain Goraguer unsterblich gemacht. Auf »Rare Soundtracks & Lost Tapes (1973-1984)« sind zwei bislang nicht erhältliche Scores des Franzosen zu hören: Das ist Orchestermusik, die es nicht nötig hat, dick aufzutragen. Mit Gitarren, Flöten und Streichern und durch die permanente Wiederholung und Variation der Haupthemen schafft Goraguer eine Atmosphäre zwischen Melancholie und Psychedelia.

Die Saxofonistin Amalie Dahl ist zwar Dänin, hat ihre Band Dafnie aber im Trondheim-Milieu gegründet und lebt derzeit in Oslo – deshalb sieht sie sich vordergründig dem norwegischen Contemporary Jazz zugehörig. Dem topografischen Gütesiegel hat das Quintett spätestens jetzt, mit dem zweiten Album, alle Ehre erwiesen. Mit cineastischer Dimension, mal zurückgenommen, ergreifend, Ambient-infiltriert, mal mit quietschenden Bläsern und furioser Rhythmik hinterfragt »Står op med solen« in bester Trondheim-Manier das Gewohnte und Gewöhnliche, ohne selbst didaktisch zu werden.

Der brasilianische Pianist Amaro Freitas tat sich bisher als so feinfühliger wie polyrhythmisch eruptiver Virtuose hervor. Mit seinem Album »Y'Y« kommt als Inspiration das Amazonasgebiet hinzu. Was er auf ganz unterschiedliche Weise erkundet. Präpariertes Klavier, raschelnde Perkussion und Vogelstimmenflöten ist der eine Weg für ihn. Der andere bringt ihn zu sanften Tönen und zu illustren Gästen wie dem Gitarristen Jeff Parker, der Harfenistin Brandee Younger und dem Schlagzeuger Hamid Drake.

Kirk Degiorgio wird dermaßen sträflich unterschätzt, dass wir an dieser Stelle gerne eine Diskussion über eine allgemeine Verschärfung des Strafmaßes anstoßen möchten. Von allen britischen Antworten auf Detroit Techno waren seine Produktionen als As One so essentiell wie keine andere. Das Album »Reflections« wurde zwischen 1993 und 1994 in London produziert, nachdem die »Artificial Intelligence« alles verändert hatte, und weist durchaus Ähnlichkeiten mit dem aufkommenden IDM-Sound auf, ist genauso aber von jener fokussierten und doch verschwommenen Wärme geprägt, die Carl Craig erst 1997 – drei Jahre später! – meisterte. Die Jubiläumsausgabe zum 30. Geburtstag über Lapsus unterstreicht, wie zeitlos diese Platte geblieben ist.

Mit »Lives Outgrown« veröffentlichte Beth Gibbons ihr erstes Solo-Album. (Dreißig Jahre nach dem ersten Aufschlag ihrer Band Portishead.) Auf zehn Songs erdet Gibbons hier ihre Stimme mit einem schweren wie unaufgeregten, meist organischen Sound. Große Momente der Katharsis fehlen weitgehend, dafür reinigt die Platte im Ganzen das Seelenleben von Künstlerin wie Publikum. Ein wunderschönes Gefühlsalbum für Kopfmenschen.

Auf über 30 Songs und knapp 90 Minuten schickt uns diese Compilation im Schnelldurchlauf einmal komplett durch den exzentrischen wie intimen Kammerfolk der dreiköpfigen Band um Svitlana Nianio, die erst vor kurzem noch mit einem Solo-Reissue auf Shukai geehrt wurde. Mit ihrem fast opernhaften Gesang sowie den Streichern und Keyboards ihrer beiden Kollegen hat sie Anfang der 90er in nur wenigen aktiven Jahren dem ukrainischen Underground einen umwerfend kühlen und leiernden Leftfield-Pop-Sound verpasst.

Gerade in Zeiten des viel gescholtenen ADHS-Sounds ist Donato Dozzy wieder en vogue, allerdings als Vertreter einer Gegenbewegung: Ausdauernd, mit der nötigen Ruhe und, ganz wichtig, gutem Geschmack baut er seine Tracks auf. So auch auf »Magda«, auf dem er ebenso routiniert wie eindrucksvoll die alte Erfolgsformel des Techno durchexerziert – Intensität durch fortwährende Wiederholung, Spannung durch graduelle Veränderungen. Psychedelik, Kitsch und Grazie, Dozzy vereint sie noch immer alle.

Earl und Al, das sind Future & Metro Boomin für solche Menschen, die in Birkenstocks Tabak rauchen anstatt in Air Force Ones zu vapen. Das beste Tag-Team im Rap. Gemeinsame Songs haben die beiden schon einige gemacht, zuletzt u.a. das unsterblich gute »Lye«, zu dem man perfekt das Rauchmittel in die Stromlinien des Fahrtwindes legen kann. Jetzt ein gemeinsames Album. »Voire Dire« gönnt eine ganze halbe Stunde der bewährten Rezeptur: Alchemists schleppende, Sample-basierte Beats und Earl Sweatshirts verschachtelte, missmutige Rhymes.

Hot take respektive magisches Wunschdenken: Was, wenn Eiko Ishibashi für Film-Soundtracks der 2020er-Jahre das wird, was Mica Levi (»Under the Skin«) und Jóhann Jóhannsson (»Arival« und so weiter) für die der 2010er Jahre darstellten? Eine Art Anti-Hans-Zimmer nämlich, die neue und aufregende Wege findet, um Filme zu komplementieren und zu kommentieren, ohne ein einziges Mal den BBRRRRROOOOAAAAAAAAAAAWWWWWW-Synth rauszuholen? Nach »Drive My Car» ist »Evil Does Not Exist« die zweite Soundtrack-Arbeit von Ishibashi, die genau das mit fiebrigen, post-rockigen Jazz-Vibes und einer wunderbar schrägen Streicherarbeit umsetzt – im besten Sinne cineastisch, selbst ohne die dazugehörigen Bilder.

Auf »Souvenirs« präsentiert Emahoy Tsege Mariam Gebru traumhafte Home-Recordings. Es ist ein besonders intimes Werk der äthiopischen Pianistin und Komponistin, die zuvor auf keinem ihrer Alben ihre Stimme nutzte. Auch musikalisch unterscheidet sich »Souvenirs«: Vogelgeräusche vor dem Fenster oder selbst das Knarren der unverwechselbaren Klavierbank erwecken den Eindruck, man sitze neben der Künstlerin.

Bands, die es noch einmal wissen wollen, können sich oft des Zuspruchs ihrer Fans sicher sein. Nicht immer finden sie zu alter Größe. Dieses Problem hatten Gastr del Sol für ihr letztes Album »We Have Dozens of Titles« zum Glück nicht. Das Material, das sie verwendeten, stammt aus den Neunzigern, ist unveröffentlicht, live aufgenommen oder von rareren EPs. Und es ist alles grandios. Man mag rückblickend noch einmal bedauern, dass David Grubbs und Jim O'Rourke ihr Projekt so früh beendeten. Doch das haben sie jetzt locker wettgemacht.

Auf »Gordan« verschwimmen Zeiten und Genres. Es kombiniert traditionellen serbischen Gesang mit abrasiven Noise und hypnotischen Beats. Mal ist das Trio verspielt wie Širom, mal zerbrochen wie Lankum, mal vom Militarismus fasziniert wie Laibach. Mal betrauern sie Lawinentote, mal loben sie Nikola Tesla, mal rufen sie zum Krieg im Grenzgebiet des Habsburgerreiches auf. Ein Highlight für alle, die sich in den Bann einer Vergangenheit schlagen lassen wollen, die es nie gegeben hat.

Mit atemberaubender Virtuosität beherrscht Hani Mojtahedy ihre Stimme, gleitet mühelos zwischen kristallklarem Sopran und tiefem, kunstvollem Vibrato. Sie singt sowohl auf Persisch als auch auf Kurdisch und reflektiert damit ihre Wurzeln in der Kurdenregion zwischen Iran und Irak. Die melodischen Setar-Klänge, die emotionalen Vocals und die rhythmischen Percussion verschmelzen zu einer kraftvollen, mystischen Einheit. »Hjirok« berührt die Seele und entführt in eine faszinierende Klangwelt, die gleichermaßen von Tradition und Innovation geprägt ist.

Julia Holter kann Vieles auf »Something In the Room She Moves«. Sie kann mal laut, mal leise, mal düster, mal lieblich, mal minimalistisch und mal opulent. Das sechste Album der Songwriterin aus Los Angeles springt zwischen Synthie und Jazz, mixt Field Recordings mit choralen Arrangements und dreamy Pop mit Avantgarde. »Something In The Room She Moves« ist eines dieser Alben, das ganz viel Aufmerksamkeit braucht und regelrecht einfordert – und es hat sie verrdient.

Kim Gordon clasht mit »The Collective« einundsiebzig-jährig ins Jetzt, als stünde sie am Anfang ihrer Sonic Youth Karriere. Gordon sagt zwar zu Anfang des Albums schon »Bye Bye«, meint dabei aber eher ein Ende der Geradlinigkeit von Geschichte. Die Verrücktheit der Gegenwart wird zum Motiv, dass sich durch elf Tracks schlängelt und den Zeitgeist in psychedelische Mantras sublimiert. Nur eine Sache ist für Gordon wahr: Wahrheit gibt es keine mehr. Aber solange es Musik gibt, ist da zumindest noch die Möglichkeit die Realität zum scheppern zu bringen.

Minimal music, Drone, Art Rock, Shoegaze, Weltmusik – ohne La Monte Young und Marian Zazeela gäbe es diese Genres nicht. Ganz zu schweigen von Fluxus und Lichtkunst. Den Einfluss, die das Ehepaar auf die Geschichte der Kunst seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts hatten, ist fast nicht zu überschätzen. Auf »Dream House 78'17"« zeigen sie warum. Ihre Kompositionen können sich problemlos neben neueren Drone- oder minimal-music-Publikumslieblingen behaupten.

Flächige Pads, eine pulsierende Bassspur und sanfte Keys durchfluten die vier Tracks dieser EP, die sich in ihrem Klangbild zwischen affektiver Dancefloor-Melodik und Insichgekehrtheit bewegen. Lawrence, Hamburger Pionier des Ambient-Technos, steckt hinter diesen wunderschönen Produktionen. Nichts Verrücktes, nichts auffallend Neues und dennoch so berührend ist dieses Werk namens »Gravity Hill«.

Keine Review, barely eine Prophezeiung: am Freitag erscheint OG Keemos neues Mixtape mit Funkvater Frank und wenn die vorab verfügbaren Tracks ein Indikator sind, wird »Fieber«, wie immer, das beste was dieses Jahr im deutschen, wenn nicht globalen Rap-Kontext veröffentlicht werden wird. 

»Something here isn’t right« waren seine ersten Worte, wenig später sitzt er weinend im Burger King. Pigbaby hat nach einer unglaublichen EP ein unglaubliches Album nachgelegt, das dem Debüt bezüglich Dringlichkeit und Ausdruckskonzentration in Nichts nachsteht. »i don’t care if anyone listens to this shit once you do« vertont mit simpler Exaktheit die Großstadt-Erfahrung von Kulturinteressierten jungen Erwachsenen mit Mental-Health-Problemen der letzten, mindestens, 30 Jahre: Die Liebe versiegt, die Tage sind grau, nichts kickt wirklich, die Wohnung ist schäbig, Geld fehlt. Und doch bleibt man, scheitert vor sich hin.

Am Anfang war die Gitarre. Dann kamen fiepende Generatoren und Feedbacks und das »Space Program«: Rafael Toral hat als Musiker seinerzeit einen radikalen Bruch vollzogen, sein Hauptinstrument zur Seite gelegt. Jahrelang. Inzwischen verbindet er seine früheren Drone-Ansätze mit den späteren elektronischen Punktereignissen. Auf dem Album »Spectral Evolution« tut er das in majestätischer Ausgeruhtheit und mit einer Klangpalette, die sogar an Vögel denken lässt. Ein veritables Comeback – nicht, dass er je weggewesen wäre.

Form follows function war die Maxime der Bauhäusler in den 1920er Jahren. Eine Idee, die vor allem Ende der siebziger, Anfang der achtziger Jahre auch in der Musik ihren Widerhall fand. Nicht umsonst nannte sich in Großbritannien eine Band Bauhaus. In Japan gab es zeitgleich die R.N.A. Organisation. Ein Trio, dessen Mitglieder sich 0123, Chance und Zero nannten und Stücke wie »Weimar 22« und »Matrix« komponierten. Ihr 1980 auf Vanity Records in Japan erschienenes Album »R.N.A.O meets P.O.P.O.« war lange Zeit nicht erhältlich, wurde jetzt aber von Stephan Mathieu von den Originalbändern neu gemastert und auf Mesh-Key Records veröffentlicht. Die Musik ist New Wave, unterkühlt und skizzenhaft, manchmal dubby wie auf »Yes, Every Africa Must Be Free Eternally«, dann mit der Attitüde von The Fall und tatsächlich der Stimme von Mark E. Smith auf »Say It Loud, I'm Dilettante, I'm Proud« . Musik, die nichts beweisen will. Gibt es ja heute kaum noch.

Mit »Interior« baut sich Rosa Anschütz ihr Versatzstück musikalischer Geborgenheit: Eine kleine Höhle, in der Verletzlichkeit als Ode an die Vergänglichkeit durch die Gewölbe hallt. So sehr wir uns das Gestern manchmal zurückwünschen, so sehr zeigt uns Anschütz, wie wir es uns auch mit dem Morgen vertrösten können. Dabei taucht die Berliner Künstlerin in ihrem dritten Soloalbum Aphorismen in tiefe Soundbecken und füllt damit das Innenleben mit bittersüßer Melancholie: Zwischen den Tracks zerfließen die Sekunden.

Vielleicht hat es die Pause von 5 Jahren gebraucht, in der Q einer halbprofessionellen Golfkarriere nachging oder seiner Tochter am Spielfeldrand als »Soccer Dad« zujubelte. Denn selten zuvor hat man ScHoolboy Q so befreit gehört, wie auf »Blue Lips«. Im Vergleich zum uninspirierten Vorgängeralbum (»CrasH Talk«) ist der Sound deutlich vielschichtiger, teils collagenhaft gestaltet. Auf aggresive Trap-Achterbahnen folgen Stücke mit sanften Soul- und Jazz-Einflüssen. Das fesselt enorm und lässt Hörer:innen besonders auf eindringlichen Schlüsseltracks wie »Blueslides« oder »Cooties« andächtig an Qs blauen Lippen kleben.

Das Wunderkind des »neuen« britischen Jazz hat das Saxofon an den Nagel gehängt und konzentriert sich auf traditionelle asiatische und südamerikanische Holz- und Bambusflöten. »Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace« ist eine Sammlung von mysteriös verspielten Meditationen, die Shabaka Hutchings kreative Kraft und den Spiritual Jazz allgemein in einem anderen Licht erscheinen lassen. Unter den vielen Gästen: André 3000, dessen eigenes Flötenalbum »New Blue Sun« kurz vorher herausgekommen ist.

World of Echo arbeitet auch in diesem Jahr systematisch an der Aufarbeitung der Musik von The Cat's Miaow und den Bands aus ihrem Umfeld (Hydroplane, The Shapiros und viele mehr). Allen gemeinsam ist, dass sie in den Neunzigern von Melbourne aus Songs auf Kassette aufgenommen haben, meist im kleinen Rahmen, einfach und pur. »Skipping Stones« versammelt 35 Songs von The Cat's Miaow aus den Jahren 1992 und 1993, allesamt kleine Hits.

Die Japanerin Tujiko Noriko hat vor allem in den frühen 2000ern avantgardistischen Electro-Pop mit knarzig-knuspriger Electronica verkuppelt. Manche Leute sollen sich damals sogar nicht dafür geschämt haben, das als Indietronica zu bezeichnen. Der Meilenstein dieser Zeit, »From Tokyo To Naiagara«, der in diesem Jahr erstmals Vinyl zu sehen bekam, verhöhnt jeden Björk-Vergleich mit seinen wunderbar-verqueren Pop-Fragezeichen. Wie sie hier die schönsten Melodien von der Seite anzickt und mit frickeligem Noise überschüttet, verdient auch 20 Jahre später Applaus.

Shoegaze-Gitarrenriffs, einige wenige Subbässe, dazu aufschnellende und gedrückte Vocals reichen aus, eine einnehmende Atmosphäre aufzubauen. »It Means A Lot« von Ulla & Ultrafog erinnert an einen surrealen Sommertraum, an dem die Sonnenstrahlen durch die breite Baumkrone dringen. Gespickt mit einer Mischung aus Gleichgültigkeit und müheloser Souveränität ebnet »It Means A Lot« den Weg für eine neue Art der intimen Musik, die in ihren minimalistischen Facetten nicht vielseitiger sein könnte.

Guys, die große Afrika-Müdigkeit (musically) ist überwunden! Nachdem der Markt für ein paar Jahre übersättigt war, hat das Herz wieder Platz für unwiderstehliche Grooves vom Mutter-Kontinent. Die schon so mitreißend betitelte Compilation »Congo Funk! Sound Madness From The Shores Of The Mighty Congo River« stürmt diesen Platz im Nu. Vier Seiten, nur Killer, die beste Alternative zu Deutschland.