Bereits 2002 präsentierten die beiden in Los Angeles lebenden Jeremiah Chiu und Marta Sofia Honer auf »Recordings from the Åland Islands« eine hybride Musik, die die Welt als Ganzes umarmt. In diesem Jahr haben sie folgerichtig Ariel Kalma, den Hohepriester der meditativen New-Age-Musik, mit ins Boot geholt und mit »The Closest Thing To Silence« Musik eingespielt, die sich wirklich nichts mehr verweigert, sondern ergebnisoffen treiben lässt und dazu einlädt, die Schönheit in den Dingen schlicht anzuerkennen.

Eins steht fest, Aroma Nice ist Junglist of the year, mindestens. Nicht nur, dass er mit der nur digital veröffentlichten »Cycling Into Oncoming Traffic« (Yuku) ganz programmatisch Atmosphäre, Adrenalin und Intensität zu vier Diamanten verdichtet. Auf dem Vinyl-Minialbum »Old Haunts« (Yuku) öffnet sich ein hochgravitatorischer Strudel nach dem anderen. Verspinnert wie Squarepusher, atmosphärisch wie Amon Tobin und brachial wie Ruby My Dear, ohne je in die ausgetretenen 1993-Schablonen zu verfallen, die so viele Jungle-Veröffentlichungen derzeit ausmachen.

»Night Reign«, das vierte Album von Arooj Aftab, liefert den perfekt sinistren Sound für die erste Jahreshälfte. Die Platte trägt nicht nur durch die Nacht, sondern durch Frühdienste, durch verkaterte Sonntage, begleitet beim Doomscrolling, geleitet durchs Wochenende am See und kommt kuscheln auf der Couch. »Night Reign« paart die Schwere des Vorgängers »Vulture Prince« mit einem Hauch von Leichtigkeit.

Astrid Sonne singt! Die dänische Komponistin und Viola-Spielerin war bisher für instrumentale Experimente bekannt. Auf »Great Doubt« ist vieles anders, nicht nur der Sprechgesang. In ihrem folky, semi-elektronischen R’n’B lässt Sonne die Erkenntnisse aus ihren elektro-akustischen Experimenten in skelettierte, aber vielfarbige Arrangements einfließen. Und die sind viel mehr sind als gesungene Worte mit musikalischer Begleitung. Ob man das dann TripHop, Avant-Pop oder Singer/Songwriter nennt, ist: egal.

Ein Song der Post-Hardcore-Band Lungfish als Schlaflied? Gitarrist Nathan Salsburg hat es mit seiner Tochter getestet. Salsburg kann »The Evidence« mit einer Hand spielen und mit der anderen sein Kind halten, bis es eingeschlafen ist. Auf dem Album wird »The Evidence« zu einem fast 20-minütigen, ruckelfrei dahingleitenden Mantra. Dank Salsburgs simplen Spiel auf der akustischen Gitarre, dem brüchigen Gesang von Will Oldham alias Bonnie »Prince« Billy und der zarten Percussion von Tyler Trotter. Gleiches gilt für den Lungfish-Song »Hear The Children Sing« auf Seite 2. Wenn es so etwas wie Folk-Ambient gibt, das ist es.

Ernestas Kausylas macht Musik, die schwer zu greifen und deshalb fast überall anschlussfähig ist. Einiges auf seinem Zweitwerk als Brokenchord klingt, als sei es nach vierzig Jahren auf einem japanischen Dachboden gefunden worden, während der Opener von »Stone Island Tracks« sich genauso als neue Einlaufhymne vor einem Khruangbin-Konzert empfiehlt. Dem Litauer gelingt Beatmaking, das Hip-Hop-Heads mit Krautrock-Kläusen versöhnen würde, industrielles Understatement mit warmer Psychedelik vereint. Dazu lässt sich chillen und studieren, aber auch mit dem Arsch wackeln und Schnäpse trinken.

Im Informationszeitalter ist es schwer, ein Mysterium zu erschaffen – Cindy Lee ist das mit »Diamond Jubilee« gelungen: 32 Songs, zwei Stunden Musik, nur zugänglich über eine obskure Geocities-Seite*. Die Drag Queen mit der blauen Perücke reiht munter Lo-Fi-Hits und sentimentale Love Songs aus einem gespenstischen Parallelkosmos aneinander. Girlbands der 60ies bilden den Kern, aber auch Disco, Psychedelic, cineastische Plastikstreicher, quietschende Synths und vieles mehr wird geboten – alles mit einer ganz eigenen Pop-Sensibilität.

Die 13. Rule of Life lautet: Wenn sich eine Band als »post-everything quartet« bezeichnet, nimm besser gleich die Beine in die Hand. Nur wenn Frédéric D. Oberland (Oiseaux-Tempête), Grégory Dargent, Tony Elieh (Scrambled Eggs) und Wassim Halal dabei sind, bleib wo du bist und übertrag ihnen die volle Kontrolle über deine Extremitäten. »SIHR« erinnert insofern wohl an die Dwarfs of East Agouza, als es – hust, hust – traditionelle Instrumente in einem irgendwie psych-rockigen Setting einsetzt, legt aber mehr Wert auf Drrrrrrrrrrrrrrumsssssssss und ist insgesamt weitaus weiter draußen. Das klingt dann auch mal so, wie GY!BE es mittlerweile tun sollten. 10/10, no notes.

Für sein Album »MMM« hat der japanische Komponist und Klangkünstler Yosuke Fujita seine selbstgebaute Pfeifenorgel mit einer elektrischen Pumpe versehen. Was wie ein technischer Gimmick wirkt, verschafft seiner Musik im wahrsten Sinne des Wortes mehr Luft und lenkt sie in eine neue Richtung. Das über 21-minütige »M-1« als Herzstück des Albums ist gleichzeitig sanft dröhnendes Mantra und Vehikel für mikroskopisch kleine Tonverschiebungen, die dem Instrument ungeahnte rhythmische Möglichkeiten verleihen.

Garth Erasmus. Nie gehört. Und monatelang den Namen nicht richtig im Kopf gehabt, wenn es darum ging, Freunden zu sagen, dass das hier das Album des Jahres sein könnte. »Threnody for the KhoiSan« ist eins for the ages. Der südafrikanische Sound-Tüftler Erasmus spielt auf teils selbstgebauten Instrumenten eine Art Minimal-Spiritual-Jazz, der irgendwo zwischen Don Cherry und Pierre Bastien seinen Anmut findet.

Der große Orgel-Ambient-Hype der letzten Jahre war von großen Gesten geprägt, Hanno Leichtmann jedoch nähert sich einem in der Villa Aurora in Kalifornien ansässigen Instrument mit unnachahmlicher Bescheidenheit. Hin und wieder begleitet von Marimba oder Rohrenglöckchen nimmt er für »Outerlands« dessen Klänge als Ausgangspunkt für wohlig loopende Klangflächen und warme Drones, flechtet preziöse und doch nie prätentiöse Vignetten aus ihnen. Wer den Sonntag statt mit Kali Malone im Kirchenschiff lieber zuhause im Bett verbringt, hat mit diesem Album das ultimative Vaterunser gefunden.

Ein Gunshot knallt den Kinderchor weg, die Gesangsversammlung der Erdmännchen übernimmt pietätslos. Wer Honour ist, wissen wir immer noch nicht ganz. Was wir ganz sicher wissen: So klingt der Urknall, der entsteht, wenn die Soundwelten von Babyfather und … Just Blaze o.ä. aufeinander stoßen würden. Das Resultat ist ein Kosmos mit noch mehr Hall und noch mehr Rauch; Streicher, Snares, übersteuerter Bass und Surf-Gitarren neben 808s. Zu »Àlááfíà« in Track Suits dem Weltuntergang entgegenlaufen und sicher sein, dass er der Gang absolut unterlegen ist.




Das Bristol-Trio Jabu schleicht mit trüben Dub-, Trip-Hop- und Dream-Pop-Sounds auf seinem dritten Album durch einen Zeitlupen-Entwurf von R&B, in dem als Videospiel-Referenzen geborene Lyrics plötzlich den Erdboden aufreißen und existenzialistische Themen verhandeln, die perfekt zu dieser Midnight Music passen. Ob man diese gespenstische, in allen Belangen überragende Nebelmusik von »A Soft And Gatherable Star« – in der Stimmen mit verschleppten Beats und in Hall getauchten Gitarren verschmelzen – wirklich bei Tageslicht hören kann, ist noch nicht überliefert.

In London machen sie’s einfach differently. Jawnino bedient sich bei zeitgenössischen Bass-Entwürfen, schreckt nicht vor The-Streets-artigem Storytelling und kitschigen 1980er-Elementen zurück, kennt sich in der Cloud-Rap- und Grime-Historie aus und verquirlt all das auf »40« irgendwie zu einer irrlichternden Mischung. Zu den Feature-Gästen auf diesem Album gehören sowohl MIKE als auch Airhead als Remixer, denn so eine Platte ist das eben: Far-out für die Hip-Hop-Heads und food for thought für alle Ravers, die mit einem mulmigen Gefühl aus der Afterhour stolpern. »Broken Britain / but that's how we like it, innit?« Precisely, mate.

Die Verlaufskurve von Jerrilynn Pattons Karriere ist so verschlungen wie die Produktionen der konsequent gutdraufen Künstlerin aus Gary, fucking Indiana. Sowieso, das Björk-Feature stellt keine große Überraschung dar, aber wer hat mit Philip Glass und dem Kronos Quartet auf einer Jlin-Platte gerechnet? Wer es nicht getan hat, muss wohl in der letzten Zeit nicht aufgepasst haben – hier fügen sich nur Dinge, derweil sie anderswo aus den Fugen fliegen. »Akoma« ist dann natürlich genau das Album, das von Patton zu erwarten war: Auch wenn sie ihre Footwork-Wurzeln nicht völlig aufgegeben hat, sind das hier Tracks, aus denen tausend neue Genres entstehen könnten – eines innovativer als das andere.

Joanne Robertson und Dean Blunt arbeiten schon fast ein Jahrzehnt eng zusammen. Kein Wunder also, dass ihre sanfte Fusion aus Gitarre und entferntem Gesang auch auf »Backstage Raver« reibungslos funktioniert. In knapp 20 Minuten versammelt sich eine Handvoll Songs in unterschiedlichen Vollständigkeitsstadien – eine Mischung aus schwebenden zweideutigen Emotionen und atmosphärischen Indie-Rock-Elementen. »Backstage Raver« ist ein weiteres Puzzlestück in Dean Blunts musikalischem Kosmos, dessen wahre Größe sich erst offenbart, wenn man sich ihm hingibt.

»One Day« war genau deshalb eine Sensation, weil nichts daran sensationell klang. Im 160-BPM-TikTok-Edit-Zeitalter stellt Huerco S’ Rückgriff auf dubbigen Minimal Techno und Microhouse unter dem Pseudonym Loidis einen Anachronismus dar, der vielen wie Balsam durch die Gehörgänge ging – ein Antidot gegen Schnelllebigkeit und das Drop-Diktat der letzten Jahre, geboren aus dem Geist der mittleren Nullerjahre. Diese acht Tracks boten Identifikationsfläche für alle, die sich nach simpleren Zeiten und mehr Understatement im Clubzirkus sehnten, ohne das freilich populistisch zu propagieren. Hier macht einer nur, was er will: recht wenig, das aber ungemein effektiv.

Lolina erzählt gerne Geschichten. »Unrecognisable«, ein surreales DIY-Konzeptalbum, ist das dritte Kapitel einer fortlaufenden Geschichte, die sich in einer Flut von gekrümmten Stimmen und klapprigen, Dub-verfremdeten Casio-Beats entfaltet. Fast alle Stücke entstanden auf ihrem treuen SK-200, einem Sampling-Keyboard aus dem Jahr 1987. Lolina schlüpft immer wieder in die Rolle zweier Charaktere und verwandelt ihre eigene Stimme durch Tonhöhenverschiebungen und Effekte oft bis zur Unkenntlichkeit. Trotz der fantasievollen Narrative und des perfekt abgestimmten Sounds wirkt das Album am Ende überraschend real und greifbar – näher, als man es erwartet.

Marie Klocks Verneigung vor ihrem verstorbenen Dichterfreund Damien Schultz war locker das lebendigste Album des Jahres. Ein unrasiertes Rennen durch die Nacht, alle Betten ungemacht, Kerzenschein und Kritzelgedichte, Anarchie und Hundebellen, »Damien Est Vivant«s stürmischer Neo-Folk-Chanson-Synth-Pop klingt durch und durch nach einer analogen Zeit, in der Interior-Design und gesunde Ernährung dem Erforschen der human condition noch untergeordnet waren.

»A House Where I Dream« ist die Auseinandersetzung des belgischen Saxophonisten Mattias De Craene mit »The Holy Mountain«, einem surrealistischen Film von Alejandro Jodorowskys aus dem Jahr 1973. Im Oktober 2024 wurde das Album in Gent uraufgeführt und zusammen mit dem Film live präsentiert. Die Musik funktioniert aber auch ohne Kenntnis des Streifens. De Craene benutzt sein Saxophon und Tape Loops, um hypnotische Schleifen zu kreieren, die Raum und Zeit hinter sich lassen. Auf der A-Seite drängt der Sound mehr ins Transzendentale, die B-Seite setzt auf Ambient-Sounds mit körniger Struktur. Vielleicht so etwas wie der Missing Link zwischen Bendik Giske und William Basinski.

Nichts Neues unter der Sonne? Die Dinge ändern sich stärker, als man merkt. Auch auf Maya Shenfelds zweitem Album, »Under the Sun«, ist viel los, selbst wenn oft am Rand der Wahrnehmung. Immerhin bringt sie neben den fein schattierten Farben ihrer quecksilbrigen Drone-Elektronik einen Jugendchor und Field Recordings unter, ohne dass sie aus dem Konzept fielen. Dies ist kosmische Musik mit Geist. Und einem Flow, den man ähnlich von Ambient kennt, doch so eher noch nicht schwingen gehört hat.

Memotone's Run hält an. Nach einer tollen EP auf Sähkö 2023 und der »Tollard«-EP dieses Jahr schob der Multiinstrumentalist William Yates noch ein ganzes Album hinterher. »Fever Of The World« vergreift sich nur im Titel (Album hat max. 36,8°C), der Rest bleibt stilsicher. Neun Stücke mit ganz viel echten Instrumenten und noch mehr 4th-World-Quirkiness im Geiste von Michel Banabila, Michal Turtle oder Suso Saiz – irgendwo erklingt immer ein Glockenspiel.

Wer die ersten beiden Alben der Londoner Moin als Post Punk bezeichnet hat, sollte einen Schritt weitergehen und »You Never End« unter Post-Post-Punk einsortieren. Das Trio – das Experimental-Elektronik Duo Raime plus Schlagzeugerin Valentina Magaletti – hat jetzt eine Reihe von Gastsänger:innen wie Coby Sey und James K engagiert. Deren Beiträge aber sind so unaufdringlich und flüchtig wie die Musik selbst. Moin operieren in den äußeren Bereichen der Gitarrenmusik, in die sich keine anständige Rocksau vorwagt, sie schaben Indie und Shoegaze bis auf die Knochen ab.

Hiermit wäre die Nische Art-School-Dream-Pop in unseren Jahrescharts abgedeckt. Princ€ss greifen das Revival der 2010er vorweg: Die Nonchalance ist groß in diesem hier, im Hintergrund ist genauso viel los wie vorne, der Pop-Song wird höchstens angedeutet, aber immer ganz schnell wieder zurückgezogen. Soll sich bloß niemand zu gemütlich machen. Agitiert greifen wir dann doch ab: Die Dublette aus »Sometimes« und »Hoist Point«; sie gehört zum dem Allerbesten, was dieses Jahr erklungen ist. Das Ganze ein langes Leiern in Richtung Unendlichkeit.

Im Oktober erschien mit »Make It Fit« das erste ordentliche Karate-Album seit 17 Jahren, das beste Karate-Album seit 17 Jahren allerdings hatten Still House Plants bereits im April veröffentlicht. Der Post-Rock des britischen Trios auf »If I don​’​t make it, I love u« klingt deshalb jazzig, weil eigentlich kaum etwas gerade oder gar zu Ende gespielt und gesungen wird, ist zugleich aber spartanisch wie eine Platte von Moin. Egal, wie viel auf diesen elf Songs passiert, immer scheint etwas zu fehlen, bleibt die Musik so ungemütlich wie ein allein belegtes Doppelbett. Es fällt nicht immer leicht zu sagen, was an diesem chaotischen Durcheinander so bewegend ist – das macht gerade seine Stärke aus.

Es gibt Musik, mit der man um ein goldenes Kalb tanzen kann. Und es gibt Musik, die klingt, als würde Moses einem den Schädel einschlagen. »Umbilical« ist zweiteres – unheiliger Zorn in Reinform. Die Sludge-Anarchos Thou haben die letzte Dekade die experimentellen Möglichkeiten extremer Musik in die Höhe getrieben. Demgegenüber steigt »Umbilical« mit rasendem Hardcore auf die Erde herab. Das Ergebnis ist die vielleicht konziseste Abreibung des Jahres. Wie in der Bibel steht: Thou Shalt Not Fail!

Catherine Backhouse hat mit »Anemones« elf kleine schillernde Blüten in das UK Bass Contiuum gepflanzt. Eigentlich war sie Jahrzehnte als DJ Bunnyhausen für Krautrock und Artverwandtes im mittlerweile geschlossenen Club Kosmische verantwortlich. Als Xylitol erinnert sie sich nun an ihre Jugend in den 1990ern, taucht in ihre Liebe zum Jungle und Hardcore und überschüttet uns auf »Anemones« mit bunten Melodien, ausgelassenen Breaks und melancholische Downbeats. Glücklicherweise gefiel das auch Mike Paradinas, der das Tape-Album auf seinem Label Planet µ auch eine Vinyl-Veröffentlichung schenkte.

Zelienople, die Band aus Chicago um den ewig fleißigen Matt Christensen, sucht seit mehr als 20 Jahren nach einem Sound, der sich zwischen Drone, Ambient, Slowcore, Post-Rock und Kammer-Jazz bewegt, in dem die Zeit stillsteht und sich Hoffnung und Resignation wie zwei Seiten derselben Medaille anfühlen. »Everything Is Simple« klingt erstmals wirklich nach einer Band. Wenngleich das eine ist, die isoliert voneinander in gigantischen Lagerhallen rhythmische Drumschläge, Vibraphone, Holzbläser und die ein oder andere Gitarre fast wie eine akustische Drohung wirken lässt.